“Lola” de Electric Mistakes canción a canción

“Un disco con carácter felino”, así es como Electric Mistakes describe Lola (2021), si bien es una buena forma de describirlo, lo cierto es que detrás de su tercer álbum de estudio hay historias más profundas para contar. Es un disco sobre el suicidio, que en un comienzo Juan Hernández, vocalista y compositor, lo hizo pensando en que fuera un álbum que le doliera a la gente, pero su perspectiva cambió luego de un fuerte episodio que vivió, un episodio que casi le pone punto final a la historia de la banda.

Los procesos de composición de cada artista o banda son distintos, por ejemplo, para Lola (2021), Juan Hernández tomó la decisión de no componer nada nuevo para la banda luego del lanzamiento de Vicente (2019), esto porque cuando la agrupación lanzó Chavela (2016) Juan de inmediato comenzó a hacer nuevas canciones y esto generó que se cansara de ese álbum mientras que lo tocaba en vivo, era una situación por la cual el músico no quería volver a pasar.

Así que después de que Vicente (2019) vio la luz, Juan comenzó a escribir algunas letras, pero no compuso música, simplemente plasmó con palabras lo que pasaba en aquel momento por su mente. La historia de Lola (2021) comenzó en México, mientras que Electric Mistakes se presentaba en el país azteca como parte de Sesiones Radiónica, donde compuso la canción “Primera sesión”, el quinto track de su más reciente disco. 

Algunas de las letras de este álbum fueron escritas en forma de poema y otras en forma de declamación, inspiradas en el trabajo de Nick Cave. “Yo quería que fuera un disco conceptual, sobre el suicidio” cuenta Juan, quien también relata que la llegada del productor Camilo Maldonado (Árbol de ojos), el ingeniero de sonido Camilo Rengifo, y las nuevas integrantes de la banda le aportaron al álbum colores, “cambió la forma en la que el ambiente de las canciones llegaba, dejó de ser tan oscuro” comenta. 

“Cuando estaba escribiendo las letras en 2019 pensaba: quiero hacer un disco que duela, que la gente lo oiga y le duela, y eso cambió, simplemente quiero quitarme cualquier presión que tenga de lo que tengo que decir o cómo lo tengo que decir”, expresó Hernandez. 

Durante el 2020 la Alcaldía de Bogotá lanzó las convocatorias de Es cultura local, con el fin de aportar a la reactivación cultural en medio de la pandemia. Sin mayores expectativas, Laura Perilla, baterista de Electric Mistakes, inscribió a la banda y en diciembre les anunciaron que habían ganado la convocatoria de la localidad de Usaquén.

Al ganar esta convocatoria Laura y Juan sabían que iban a poder grabar Lola (2021) gracias a este estímulo, pero se enfrentaban a dos grandes retos: por una parte el tiempo, la ejecución debía ir desde el 25 de diciembre de 2020 hasta el 31 de julio de 2021, y por otro lado, la formación de banda que tenían para ese entonces se diluyó, ambos artistas quedaron entonces formando un dúo tal cual como empezaron su carrera.

Electric Mistakes grabó por primera vez un disco en formato banda, aquí trabajaron con Veronika Zurita (sintetizadores) y Ana Bermeo (guitarras rítmicas) para, además de darle poder femenino a la banda, expandir su exploración sonora. 

Al trabajar en formato banda con tres integrantes más, la agrupación tuvo que enfrentarse también a las constantes cuarentenas en Bogotá, lo que les impidió ensayar, pues vivían en diferentes localidades y debían cumplir con las medidas expedidas por la Alcaldía de Bogotá. 

“El reto más grande fueron las cuarentenas, la banda estaba distribuida por Bogotá, entonces teníamos que ensamblar el disco o la mayoría de canciones que tuviéramos y no podíamos ensayar, los ensayos tenían que ser muy cortos. El tiempo complicó la grabación porque empezó la cuarentena de la localidad de Usaquén no podíamos grabar, era muy difícil, a veces había que romper la ley” cuenta Juan. 

Sobre la portada del disco

Así como sus discos anteriores tienen el nombre de sus mascotas, esta no es la excepción, el concepto de la portada no está ligado a las historias detrás de las canciones del disco, sino que es un homenaje a Lola, una gata que convivió con Laura y Juan, pero que lamentablemente falleció en el 2019. Fue diseñada por Laura, “es la idea de un alma, un cuerpo, una persona que es Juan que está yendo hacía la luz, pero esa luz es Lola. Yo sentía que Juan estaba en la búsqueda de como dice la canción ‘Tom’: entiérrame con tu recuerdo o muéstrame la dirección, aunque él estuviera acá, su mente estaba la mayoría del tiempo en otra parte”.

Lola, la mascota, también fue protagonista de la portada de los sencillos “4-4-2” y “Chris”. 

Para conocer más detalles sobre cada una de las canciones del álbum hablamos con Juan Hernández y Laura Perilla:

4-4-2

Juan: Cuando la escribí pensaba en todas estas formas que le enseñan a las personas muy estandarizadas. Los pasos del sueño, lo que hay que hacer en una crisis de ansiedad o cualquier tipo de este tipo de cosas que uno “debe hacer” para estar bien o para sentirse mejor. Realmente es algo muy generalizado y que no le funciona a todo el mundo. Era también como un juego con esta formación clásica del fútbol que es la base para jugar pero que no siempre funciona. 

La canción trata un poco de eso, yo hablándome a mí mismo diciéndome: “tengo que cuidarme con cuidado”, como dicen las mamás, la reiteración de hacer las cosas bien hechas y en ese momento para mí era el cuidado, porque han venido cosas malas pero pueden venir cosas más difíciles y hay que estar preparado.

La música está inspirada en las baladas de los años 60, un poco en lo que hacía Nancy Sinatra, en las canciones de Nick Cave o Tom Waits. Antes, el track tenía un órgano permanentemente, pero decidimos quitarlo porque nos parecía molesto. Por momentos,me parecía que era la canción que más funcionaba como puente con lo que hacíamos antes, por eso se escogió como primer sencillo, es la que da el mejor paso entre Vicente (2019) y Lola (2021).

Break Point

Juan: En un principio era mi canción favorita, desde que la compuse hasta la forma en la que está actualmente. Era una letra muy difícil de cantar para mí y creo que es donde más se evidencia la influencia de Radiohead en el disco por la forma en la que está el bajo y también de The National en la forma de cantar, de hecho es algo permanente en todo el álbum porque bajé muchísimo mi tono de voz y no sólo porque quería y me sentía mejor, sino también porque en ese momento, además de tener como referente a Matt Berninger (The National), me parecía muy importante destacar las voces de Vero y Anita.

Quería jugar con las voces de ellas como sucede en I am easy to find (2019), esa voz femenina es una buena forma de darle personalidad a una canción. 

Beth

Laura: Cambió de nombre como tres veces, se llama Beth por Beth Gibbons de Portishead, se cumple ese mismo patrón que en Vicente (2019), donde algunas de las canciones tienen el nombre de personas que influenciaron el disco, para mi tiene un poco de Las Ligas Menores. Las voces son las que más me gustan por esa combinación entre femeninas y masculinas, mientras las chicas dicen una cosa, Juan canta llevando la contraria. 

Juan: Yo buscaba que fuera una canción muy sesentera, al igual que “Break Point”, con esas introducciones que cambian de tempo y que pasara de ser una canción que empezaba construyéndose muy melódicamente y muy agonizada, a volverse un poco más El mató un policía motorizado, con algo más de punk, de The Strokes, de The Vaccines. 

Emma

Laura: Tiene una colaboración con Gary de Volcán, inicialmente Mateo París (Oh'laville) era quien iba a cantar en esta canción, pero se enfermó de covid y tuvimos que cambiar los planes mientras que se mejoraba. Gary nos envió tres versiones de voces desde Medellín, y elegimos la más potente. Hay algo que me llama la atención y es que se había escrito desde una mirada masculina, pero la cambiamos para que fuera cantada de forma femenina, incluso si era un hombre el que la interpretaba.

Juan: La idea de que Anita también cantara aquí fue mía, quería darle otra personalidad a la canción, dándole también un color diferente. “Emma” no tiene que ver con el amor como lo cree mucha gente, habla sobre ese momento en el que te sientes tan mal, pero sin importar qué tan mal estés, si una persona que amas también está mal, vas a hacer el esfuerzo de estar ahí para ella. “A pesar de lo mal que me sienta, de lo mal que esté, puedes estar conmigo” y por eso mismo quería que le cantará a Ana para que la gente la pudiera interpretar de diferentes formas.

Se llama Emma por Emmy Hennings, una autora alemana reconocida por hacer parte del Cabaret Voltaire. 

Primera sesión

Laura: Nos gusta mucho la letra de la canción, habla de personas que le hacen daño a uno,pero que al mismo tiempo están muy dañadas. La manera en la que Juan lo canta es super abajo, serio, más como recitado, transporta un poco a otras cosas que puede hacer la banda, otras cosas que se sienten bastante diferentes. Esa fue una de las canciones que más me hizo decir en el montaje: “nos convertimos en otra banda o esta música es de otra banda", porque es bien diferente a lo que veníamos haciendo.

Juan: La canción empezó de una forma más psicodélica, muy influenciada por The Horrors, con el tiempo hablando con Camilo Maldonado, nuestro productor, encontré un nicho buscando hacer lo que hace Nick Cave en “Jesus Alone” o en Skeleton Tree (2021), que es casi que solamente declamar con toda la fuerza que puede y encontrar la forma de decir las cosas. 

La canción tiene esta forma de una conversación entre dos personas, entre un psiquiatra y un protagonista, pero se va volviendo un poco caótica en la medida en que los dos se sienten mal y los dos están mal.

Ángel

Laura: Hace parte de esas canciones que marcan esa diferencia de Electric Mistakes, yo me preguntaba ¿en qué momento empezamos a hacer esta música?, cambió mucho en el proceso, antes iba a ser cantado por una chica, iba a ser súper angelical, pero un ángel muy retorcido, y faltando unos días para terminar el disco tomamos la decisión de que íbamos a cambiar toda la voz con los arreglos que hizo Juan, fue algo que se dio en un momento de creatividad en el estudio.

Juan: Partió de otra canción que yo le había escrito al ángel de la guarda y cambió de ser eso a ser una conversación entre un ser tóxico que le afecta a uno la cabeza. Uno está tan cansado de él que sabe que solo aparece en las noches, por eso el coro dice “envenename mientras duermo”, habla mucho de estar cansado, de esa idea que tienen los demás de que un ángel los está cuidando y cuando uno se siente mal,uno no siente que es un ángel el que lo está cuidando, sino que es otra cosa que está ahí detrás, es más una ironía. 

Técnicamente quería meterme mucho en lo que hace Portishead, Unkle y Massive Attack, encontramos al final la forma de hacerlo más a lo Damon Albarn jugando también con las voces para que sonara con ese coro de esa forma tan oscura, porque tiene unos filtros de la voz hacia abajo y hacia arriba. Nine Inch Nails es una influencia en mi vida, y creo esta canción para que tenga la actitud que quiero que tenga tendría que cantarla Trent Reznor o algo así, y decidí que fuera en la que más agresivo canto de todo el disco y por eso cambió tanto en la forma, eso hizo que esté coro oscuro se volviera más agresivo.

Fantasmas

Juan: Es una de las canciones favoritas de la banda, sobre todo de las chicas, fue una de las primeras que hice en piano, se la mostré a nuestro anterior productor y dijo que era una gran canción que tenía que grabarla sí o sí, Juan Galeano (Diamante Eléctrico) también me dijo lo mismo, fue una de las primeras canciones que sabía que iban a ir en el disco.

Pero teníamos que lograr que el ambiente que tuviera fuera demasiado grande, eso lo hicimos con este piano tan profundo y no al frente, con los sintetizadores de Vero que son muy bajos, jugando de diferentes formas con cosas que he oído que hace Interpol, The Horrors, o Radiohead para que se sienta frío el ambiente. Siento que en “Fantasmas” se siente el ambiente muy vulnerable, mi voz y las voces de ellas ayudan a que se sienta todavía más vulnerada.

En cuanto a la letra, trata sobre sentir que uno a veces está y se convierte en un fantasma para las personas en la medida en la que uno se va de la vida de ellos, pero sigue acá, muchas veces si uno fue alguien importante sigue como un fantasma afectando todas sus relaciones y todo lo que le pasa a esas personas y de la misma forma las demás personas que lo afectan a uno se van. Todos esos errores o esas cosas positivas o negativas que afectaban la vida de uno siguen marcando, o también cuando quieres estar pero no te lo permiten, no solo las personas sino las circunstancias, te sientes como aislado, como un fantasma, no soy nada para nadie, no soy importante, realmente a nadie le hago falta. 

Juanito 

Laura: Juanito es la canción que siempre está en los discos de Electric Mistakes que lleva uno de los nombres, apodos o alter egos de Juan. Es una de las canciones que más habla sobre las experiencias y en este caso es sobre la infancia, sobre ese niño al que le decían Juanito. Cuando la estábamos empezando a tocar a mí se me partía el corazón, es muy triste, aquí la voz de Vero es muy importante porque le da esa dulzura y esa vulnerabilidad de la infancia.

Musicalmente la canción está orientada hacia The Strokes, Albert Hammond Jr y por momentos, canción de cuna. 

Despiadado y cruel

Juan: Es mi canción favorita, es mi letra favorita, es probablemente la letra más chévere que he hecho, habla sobre la autodestrucción, sobre ser despiadado y cruel con uno mismo, las muchas formas en las que uno se puede hacer daño y cómo matarse lentamente. El coro dice “rómpeme” y se refiere a mí y a alguien más que me escuche, ¿cómo acabamos con esta vaina?. Todas las experiencias y todas las cosas que están ahí son muy explícitas, con cosas que me pasaron durante un período muy difícil, pero también habla sobre lo que tal vez uno necesitaba en ese momento tan autodestructivo era afecto. Por eso, hay una parte que es una especie de puente en la canción donde pido un abrazo, tal vez el abrazo es lo único que lo puede hacer sentir a uno con ganas de quererse un poco, pensar: “si los demás me quieren es por algo”, algo debo tener que les guste. 

En un principio era una canción acústica, la fui cargando de elementos hasta que se convirtió en una armonía muy diferente, es la canción más The National para mí del disco y por eso me gusta mucho. Tiene mucha personalidad, es la que más suena a lo que estamos haciendo en este momento, ese trabajo que hicimos que las guitarras sonaran al derecho y al revés, los sintetizadores, el piano. 

Laura: Me gusta mucho la relación del bajo y la batería de esa canción porque me transporta a cuando éramos un dúo y teníamos una conexión muy emocional, la letra también es la que más me gusta de todo el disco.

Chris

Juan: Fue la canción más difícil para cantar en el disco, cuando Mateo París (Oh’laville) se enfermó, pensé en esas dos partes de "Chris", esa persona que está planeando su muerte muy tranquilamente, que ya está preparado y cuando llega ese momento de hacerlo hay un caos total en la cabeza porque se enfrenta el pensamiento de quedarse con el de irse. Yo digo que es un hijo feo de “Paranoid Android” y de “No Surprises”, y también por eso me parecía tan interesante que estuviera la voz de Mateo, porque tenía la capacidad de cantar cálidamente y al mismo tiempo reventar en la parte agresiva y entrar en este miedo y rabia de no saber qué hacer.

La canción dice repetitivamente esas palabras de un momento en el que intenté suicidarme, eso lo he oído en una canción de Radiohead, que Yorke se escribió a sí mismo donde la muerte le dice que el suicidio es el alivio. Pero en esta segunda parte empieza esta lucha con uno mismo: ¿y qué pasa si no estoy? si el corazón le empieza a ganar a uno de querer quedarse, se arma el caos entre las voces, la guitarra y el bajo, es una canción delicada y caótica, las voces femeninas representan los pensamientos de la muerte y cantan dulce desde el principio. 

Al final ese fragmento que hay es de un poema de Charles Bukowski que me parecía muy importante, se llama Confesión, realmente él no fue el ejemplo de un buen hombre con las mujeres, pero refleja cómo una persona como él, al final siendo tan duro y tan frío, podía romperse y decirle a ella todo lo que le hacía sentir, lo mucho que significa para él y por qué quería quedarse. Ese “te amo” al final es para todas las canciones, creo que el afecto y el amor son probablemente lo único que puede hacer que una persona que esté en esa situación de suicidarse o lastimarse se quiera quedar y logre encontrar la forma de estar acá. 

Semanas antes al lanzamiento del álbum Juan Hernández sufrió una crisis que casi termina con su vida, por fortuna sigue en pie y a través de la música sigue haciendo catarsis, además, cada una de las canciones sirve para recordar que muchas veces los pensamientos y sensaciones no son más que una falla eléctrica en la cabeza, nada más que Electric Mistakes. 

"Probablemente han sido los días más difíciles de Electric Mistakes, por poco perdemos a Juan para siempre y nos quedamos sólo con su música. Este viernes llega un disco desgarrador que podría retratar lo que acabamos de vivir, recuerden que el amor que le den al disco es amor que le llega a la banda y sobre todo, a su compositor", compartió la banda al respecto.

Finalmente Juan hace una reflexión sobre cómo cambió la perspectiva de las canciones luego de este episodio: 

“Yo las veía desde una perspectiva diferente hace uno o dos meses que estábamos terminando el disco y desde una perspectiva completamente distinta hace un mes, porque tuve un intento de suicidio muy grave, pude no estar hablando acá, es el intento de suicidio más pesado que tenido en mi vida y al mismo tiempo fue a tocar fondo, por lo duro que fue y por lo grande que fue la emergencia. También fue como despertar y volver a darme cuenta de muchas cosas: de querer estar aquí, de estar feliz después de mucho tiempo, de sentirme bien y tranquilo, de querer abrazar todo lo que tengo y apreciar cada cosa y cada detalle de mi vida y en esa misma medida también las canciones tomaron una forma distinta, algunas se volvieron casi que proféticas con respecto a lo que pasó ese día, otras no las sentía tan personales y me hicieron sentir orgulloso por haberlas escrito, como el caso de “Despiadado y Cruel”, ya puedo apreciar esa canción de forma distinta y darme cuenta de cómo tocan a las demás personas, llegarles con cosas profundas y personales, todo esto me hace sentir muy orgulloso de hacer música y estar aquí”.