Martin Scorsese recomienda 10 películas

Who's That Knocking at My Door (1967) fue la primera película escrita y dirigida por Martin Scorsese, luego de su estreno en el Festival Internacional de Cine de Chicago, la cinta recibió una crítica bastante positiva. Desde entonces el cineasta comenzó una prometedora carrera en la industria, hasta el momento ha dirigido 26 filmes entre los que se destacan títulos como Taxi Driver (1976), Goodfellas (1990), El lobo de Wall Street (2013), El irlandés (2016), entre otros. 

El afamado director se caracteriza por plasmar principalmente historias de gángsters y dramas mafiosos en sus películas, hace parte de lo que se conoce como el Nuevo Hollywood, un movimiento que comenzó a reconocerse en los años 70 al cual pertenecen otros directores como Francis Ford Coppola, Brian De Palma y Steven Spielberg. Con una trayectoria de ese talante cuesta imaginar cuáles son esas películas que han marcado la vida de Martin Scorsese. 

Sin embargo, el director hizo una lista con sus 10 películas favoritas para la prestigiosa publicación Criterion, que incluye clásicos del cine europeo de los años 50 y 60, el neorrealismo italiano y la Nueva Ola Francesa. Esto fue lo que dijo. 

10. The Leopard (1963)
Dirección: Luchino Visconti

Según cuenta el director es considerada como una obra maestra sobre Sicilia, una meditación sobre la eternidad que fue hecho de forma meticulosa por Luchino Visconti en 70 mm. Él se inspiró en la novela  publicada póstumamente del Conde Giuseppe Tomasi di Lampedusa, sobre un príncipe siciliano en el momento de la unificación italiana, o Risorgimento. 

Para Scorsese, de esta película vale la pena destacar los paisajes, los escenarios extraordinarios con sus objetos y diseños cuidadosamente seleccionados, los trajes, las ceremonias y los rituales, elementos que tienen la finalidad de profundizar el sentido del espectador sobre el tiempo y el cambio. 

En Estados Unidos se vio una versión abreviada y doblada (Lancaster hablaba inglés), pero fue poco satisfactoria. "Cuando pude verlo todo, quedé asombrado por la imagen y por Lancaster, que se entrega por completo al papel y al mundo de la película. Es una película que se ha vuelto cada vez más importante para mí", Scorsese.

9. Contempt (1963)
Dirección: Jean-Luc Godard

Para Scorsese, Godard y Antonioni son los grandes artistas visuales modernos del cine, y tiene una facilidad para conectar con la obra de ambos a nivel emocional. Por eso, Contempt (1963) es una de las películas más conmovedoras para él. 

"A lo largo de los años 'Contempt' (1963) ha crecido cada vez más, casi insoportablemente, conmoviéndome. Es un retrato demoledor de un matrimonio que va mal, es muy profundo, especialmente durante la larga y justificadamente famosa escena entre Michael Piccoli y Brigitte Bardot en su apartamento".

De hecho, el matrimonio de Godard con Anna Karina se estaba desmoronando también y ese sentimiento fue el que quedó plasmado en esta cinta, una pieza majestuosa que se puede equiparar a una composición de música trágica.

8. 8½ (1963)
Dirección: Federico Fellini

¿Qué haría Fellini después de La dolce vita (1960)? Esa era una de las preguntas que se hacía dentro de la industria cinematográfica. Lo que hizo Fellini, y que sorprendió a la audiencia, fue que tomó su propia situación artística y de vida para hacer una película en torno a eso que estaba experimentando. 

Para Scorsese, 8½ (1963) significa libertad, sentido de invención, el rigor subyacente y el núcleo profundo del anhelo, el atractivo físico y fascinante de los movimientos de la cámara y las composiciones. Además, según cuenta "ofrece un retrato inquietante de ser el artista del momento, tratando de desconectar toda la presión y la crítica y la adulación y las solicitudes y los consejos, y encontrar el espacio y la calma para simplemente escucharse a uno mismo."

El afamado director ve esta película todos los años, pero siempre es una experiencia diferente para él. 

7. Salvatore Giuliano (1962)
Dirección: Francesco Rosi

Es una película, pero también es una investigación dramática sobre las circunstancias que rodearon el asesinato del bandido siciliano Salvatore Giuliano. Es un trabajo complejo debido a que no hay un protagonista principal, de hecho Giuliano no es un personaje, sino una figura alrededor de la cual gira la acción. 

La cinta está hecha desde un punto de vista muy comprensivo con Sicilia y su gente, teniendo en cuenta la traición y corrupción por la que tuvieron que pasar. Fue filmada a blanco y negro y Gianni Di Venazo (L'eclisse y 8½) fue el director de fotografía. 

"Salvatore Giuliano es, entre muchas otras cosas, un gran himno a Sicilia, la tierra de mi familia, y solo por eso lo aprecio."

6. L’avventura (1960)
Dirección: Michalengelo Antonioni

Esta película se caracteriza porque tiene un ritmo inusual, haciendo énfasis en la composición visual, el estado de ánimo y el carácter sobre el desarrollo narrativo tradicional. Por esto marcó un punto de quiebre en la forma en la que se contaban historias en el cine en aquel entonces. 

"La veo, más que nunca, como una película sobre personas en angustia espiritual: sus señales espirituales se interrumpen, por lo que ven el mundo que los rodea como hostil e implacable. Visualmente, sensualmente, temáticamente, dramáticamente, en todos los sentidos, es una de las grandes obras del cine."

5. Ashes and Diamonds (1958)
Dirección: Andrzej Wajda

La primera vez que Scorsese vio Ashes and Diamonds fue en 1961, una época en el que el cine era bastante sorprendente por su naturaleza misma. Pero este filme en particular marcó al director: "Tenía que ver con la mirada, tanto inmediata como embrujada, como una pesadilla que no deja de desarrollarse; la sensación de locura y absurdo enloquecedores, la tragedia de las luchas políticas internas al borde de la paz, la mayoría de edad durante la guerra y la belleza del actor principal, Zbigniew Cybulski."

El cineasta destaca el trabajo que ha hecho Wajda en la industria cinematográfica y cuenta que es un modelo a seguir por todos los que se dedican a hacer cine. 

4. Ugetsu (1953)
Dirección: Kenji Mizoguchi

Mizoguchi, según Scorsese, está a la altura de Renoir, Murnau y Ford. Después de la guerra, hizo las películas La vida de Oharu, Ugetsu y Sansho el alguacil, que se encuentran en lo más alto de la historia del cine. La extraordinaria sencillez de su obra es algo que ha cautivado a la audiencia durante décadas. 

"Hay momentos que he visto una y otra vez y siempre me dejan sin aliento: el barco se materializa lentamente entre la niebla y se acerca a nosotros… Genjuro colapsando sobre la hierba en éxtasis y siendo asfixiado por Lady Wakasa, la última grulla del hijo que hace una ofrenda en la tumba de su madre a los campos más allá. El solo pensar en estos momentos ahora me llena de asombro."

3. The River (1951)
Dirección: Jean Renoir

La guerra ha sido una de las principales temáticas que se ha explorado el cine. En los años posteriores a la Segunda Guerra Mundial, muchos cineastas sintieron la necesidad de plasmar su visión sobre la guerra en la pantalla grande, exploraron la meditación sobre la existencia y el milagro sobre la vida misma. 

The River (1951) fue la primera película de Jean Renoir después de su periodo estadounidense, la primera en color, y para hacerla se basó en la novela autobiográfica de Rumer Godden. Según Scorsese, la cinta es sobre la vida, una película sin una historia real que trata sobre el ritmo de la existencia, los ciclos de nacimiento, muerte y regeneración, y la belleza transitoria del mundo. 

2. The Red Shoes (1948)
Dirección: Michael Powell y Emeric Pressburger

Esta es otra de las películas que Martin Scorsese acostumbra a ver una vez al año, pues cada vez que lo hace revela otro nivel, otra parte más profunda. Según dice, esta es una de las películas en tecnicolor más hermosas jamás hechas y tiene un extraordinario sentido de la magia.

"Miré de nuevo la escena en la que Moira Shearer sube los escalones de la villa de Anton Walbrook, especialmente en la nueva restauración: parece que flota en corrientes de luz y aire centelleantes. Y no hay otra imagen que dramatice y visualice la abrumadora obsesión del arte, la forma en que puede apoderarse de su vida. Pero en un nivel más profundo, en el movimiento y la energía del propio cine, hay un amor profundo y permanente por el arte, una creencia en el arte como un estado genuinamente trascendente."

1. Paisà (1946)
Dirección: Roberto Rossellini

My Voyage to Italy (1999), el documental que hizo Scorsese sobre el cine italiano, comienza con una imagen de Paisan (1964), y es que la primera vez que Scorsese vio esta película fue en televisión junto a sus abuelos. Para él significó experimentar el poder del cine en sí, mucho más allá de lo que se hacía en Hollywood. Además, en ese momento cayó en cuenta que el cine no se trata solamente de una película, sino de la relación entre esta y su audiencia. 

"El resultado -en ese episodio, y también en los episodios siciliano, napolitano y florentino- sigue siendo sorprendente: es como ver la realidad desplegándose ante tus ojos."